Metropolitan Museum of Art

Die neue Kunst: Amerikanische Fotografie, 1839–1910

In diesem Frühjahr präsentiert das Metropolitan Museum of Art eine abenteuerliche neue Geschichte der amerikanischen Fotografie, die von der Geburt des Mediums im Jahr 1839 bis zum ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts reicht. Aus der William L. Schaeffer Sammlung des Museums - ein großartiges, kürzlich zugesagtes Geschenk an The Met von Kurator Philip Maritz und seiner Frau Jennifer - werden bedeutende Werke von hochgelobten Künstlern wie Josiah Johnson Hawes, John Moran, Carleton E. Watkins und Alice Austen in Dialog mit außergewöhnlichen Fotografien von unbekannten Praktikern aus kleinen Städten und Orten an der Küste präsentiert. Die zahlreichen Fotografien von wenig untersuchten Machern, frühen Praktikern und unerschrockenen Amateuren wurden ausgewählt, um die Genialität, den ästhetischen Ehrgeiz und die bleibenden Errungenschaften der Künstler zu offenbaren. In rund 225 Fotografien – die meisten zum ersten Mal zu sehen – erforscht die Ausstellung das sich verändernde Selbstverständnis der Nation, das von dem unmittelbaren Erfolg der Fotografie als kulturell, kommerziell, künstlerisch und psychologisch bedeutenden Thema getrieben wird.

Die drei Vollkommenheiten: Japanische Poesie, Kalligrafie und Malerei aus der Sammlung Mary und Cheney Cowles

Diese Ausstellung untersucht die Künste der Poesie, Kalligrafie und Malerei, die traditionell als 'die drei Vollkommenheiten' bezeichnet werden. Sie umfasst über 100 Beispiele japanischer Malerei und Kalligrafie aus der Sammlung Mary und Cheney Cowles, sowie seltene und kostbare Kunstwerke wie Faltwände mit Gedichten, dynamische Kalligrafien von Zen-Mönchen und Keramiken, die für Teegeselligkeiten verwendet werden.

Sargent und Paris

Die Ausstellung "Sargent und Paris" untersucht die frühe Karriere des amerikanischen Malers John Singer Sargent (1856–1925), beginnend mit seiner Ankunft in Paris im Jahr 1874 als vielversprechender 18-jähriger Kunststudent bis zur Mitte der 1880er Jahre, als sein berüchtigtes Porträt Madame X einen skandalösen Erfolg im Pariser Salon feierte. Über das außergewöhnliche Jahrzehnt hinweg erlangte Sargent Anerkennung, indem er kühne, ambitionierte Portraits und Figurenmalereien schuf, die die Grenzen der Konventionalität überschritten. Eingetaucht in einen kosmopolitischen Kreis von Künstlern, Schriftstellern und Mäzenen, konnte Sargent erfolgreich durch das französische Ausstellungssystem navigieren und erreichte Anerkennung und Auszeichnungen. Über das Atelier hinaus reiste er auf der Suche nach Inspiration für seine Kunst und fand seine Motive in Italien, den Niederlanden, Spanien und Nordafrika. Diese Ausstellung versammelt Sargents vielfältige Werke aus dieser Zeit, um seinen Weg zum Künstler zu beleuchten, der untrennbar mit seinen Erfahrungen in der französischen Hauptstadt verbunden ist. Diese visuell beeindruckenden Werke bieten einen faszinierenden Einblick in die Pariser Kunstwelt des späten 19. Jahrhunderts. Das ikonische Werk Madame X, ein beliebtes Highlight der Sammlung von The Met, ist der Höhepunkt von Sargents frühen Jahren in Paris. Die Ausstellung wird einen tiefen Blick auf dieses fesselnde Porträt sowie auf die zahlreichen Vorstudien werfen und wird zusammen mit ausgewählten Porträts von Pariserinnen, die von Sargents Zeitgenossen geschaffen wurden, präsentiert.

Monströse Schönheit: Eine feministische Neuinterpretation der Chinoiserie

Monströse Schönheit: Eine feministische Neuinterpretation der Chinoiserie stellt die Geschichte des europäischen Porzellans aus einer feministischen Perspektive radikal in Frage. Als das Porzellan im frühen modernen Europa aus China eintraf, führte dies zur Entstehung der Chinoiserie, einem dekorativen Stil, der die Fantasien Europas über den Osten und die Faszination für das Exotische widerspiegelte, sowie zu neuen Ideen über Frauen, Sexualität und Rasse. Diese Ausstellung untersucht, wie dieses fragile Material sowohl die Identitäten europäischer Frauen als auch rassistische und kulturelle Stereotypen über asiatische Frauen geprägt hat. Indem sie die Illusion der Chinoiserie als neutrale, harmlose Fantasie zerschlägt, nimmt Monströse Schönheit einen kritischen Blick auf den historischen Stil und seine Nachwirkungen und rekonstruiert negative Begriffe durch die Linse der weiblichen Empowerment.

Die Neuinterpretation der Vergangenheit: Die Kunst der chinesischen Bronze, 1100–1900

Diese Ausstellung verfolgt das Ziel, die umfassendste Studie über chinesische Bronzegefäße aus diesem Zeitraum zu sein und ihre kulturelle sowie politische Bedeutung in der langen Geschichte Chinas zu erkunden. Sie präsentiert über 200 Kunstwerke, darunter Bronzegefäße, Gemälde, Keramiken und Jades, und zeigt bedeutende Leihgaben aus Institutionen in China und anderen Ländern.

Die Dachgarten-Kommission: Jennie C. Jones

Ensemble

Für die Dachgarten-Kommission 2025 wird Jennie C. Jones (geb. 1968, Cincinnati, Ohio) Ensemble schaffen. Dies ist ihre zweite Außeninstallation, die das klangliche Potenzial von Saiteninstrumenten sowie ihre formalen Möglichkeiten erkunden wird. In der einzigartigen Reaktion der Künstlerin auf die Moderne schlagen diese akustischen Skulpturen die Linie der Saite als Stellvertreter der Kunstgeschichte vor, ununterbrochen und kontinuierlich. In ihren Gemälden, Skulpturen, Arbeiten auf Papier, Installationen und audiovisuellen Kompositionen nutzt Jones Klang, um auf das Erbe des Minimalismus und auf die Moderne selbst zu reagieren. Ihre Auseinandersetzung mit der schwarzen Improvisation und der Avantgarde-Musik dient dazu, Klang und Hören als wichtige konzeptionelle Elemente ihrer Praxis zu verwenden, angefangen bei den akustischen Fiberglas-Platten, die sie auf die Leinwand aufbringt und die den Klang absorbieren und die akustischen Eigenschaften der Umgebung beeinflussen, bis hin zu den Linien und Noten, die sie in ihren Kompositionen schafft und die sich auf Elemente der musikalischen Notation beziehen. Ihre Arbeit über verschiedene Medien hinweg eröffnet neue Möglichkeiten für minimalistische Abstraktion und stellt in Frage, wie und von wem sie produziert wird.

Superfine: Tailoring Black Style

Superfine: Tailoring Black Style präsentiert eine kulturelle und historische Untersuchung des schwarzen Stils vom 18. Jahrhundert bis heute und erforscht das Konzept des Dandyismus. Die Ausstellung beleuchtet die Bedeutung des Kleidungsstils für die Entstehung schwarzer Identitäten in der atlantischen Diaspora und dokumentiert, wie Schwarze Menschen Kleidung und Mode genutzt haben, um ihre Identitäten zu transformieren und neue Wege zu finden, politische und soziale Möglichkeiten zu verkörpern.

Lorna Simpson: Source Notes

Diese Präsentation der Arbeiten der in New York ansässigen Künstlerin Lorna Simpson ist die erste Ausstellung, die ihre gesamte Malpraxis bis heute berücksichtigt. Simpson wurde in den 1980er Jahren mit ihrem Pionieransatz zur konzeptionellen Fotografie bekannt. Seitdem hat sie Werke in mehreren Medien produziert, die weiterhin die Natur von Bildern und deren Bedeutung hinterfragen. Lorna Simpson: Source Notes konzentriert sich auf eine bedeutende Neuentwicklung in ihrem Werk der letzten 10 Jahre: Gemälde, die ihre scharfsinnigen Erkundungen von Geschlecht, Rasse, Identität, Repräsentation und Geschichte vorantreiben. Durch mehr als 30 Werke präsentiert diese fokussierte Ausstellung eine Auswahl von Simpsons bedeutenden Gemälden, darunter Beispiele von ihrem gefeierten Debüt auf der Biennale von Venedig 2015 und ihre gefeierte Serie Special Characters, sowie jüngste Skulpturen und verwandte Collagen. Throughout Simpsons weitreichender Praxis hat sie oft Bilder recherchiert und Inspiration aus den Vintage-Magazinen Ebony und Jet (Ikonen der Kultur im zeitgenössischen Amerika) sowie aus den Archiven der Associated Press und der Library of Congress gezogen. Simpson integriert ihre Funde in serigrafisch bedruckte Collagen mit Tinten- und Acrylwaschungen auf Fiberglas, Holz oder Tonplatte. Diese Werke kollidieren dynamisch mit Figuration und Abstraktion, mit Körpern, die auftauchen und verschwinden, die aus tintenschwarzen Oberflächen hervorblicken oder sich in Landschaften aus schmelzendem Eis auflösen. Sie verwenden gefundene Bilder – die „Quellenvermerke“ der Künstlerin –, um visuelle Kraft zu erzeugen und veranschaulichen Simpsons geschicktes Verwischen der Genres.

Die Farben umarmen: Email in chinesischen dekorativen Künsten, 1300–1900

Die Email-Dekoration ist ein bedeutendes Element der chinesischen dekorativen Künste, das lange übersehen wurde. Diese Ausstellung offenbart die ästhetischen, technischen und kulturellen Errungenschaften chinesischer Emailwaren, indem sie die transformative Rolle des Emails während der Ming- (1368–1644) und Qing-Dynastie (1644–1911) demonstriert. Der erste transformative Moment ereignete sich im späten 14. bis 15. Jahrhundert, als die Einführung von Cloisonné-Email aus dem Westen in Verbindung mit der Entwicklung von Porzellan mit Überglasuren zu einem Wechsel von einer monochromen Palette zu farbenfrohen Werken führte. Die zweite Transformation fand im späten 17. bis 18. Jahrhundert statt, als europäische Emailmaterialien und -techniken an den Qing-Hof gebracht wurden und subtilere und vielfältigere Farbtöne entwickelt wurden, die auf Emaille angewendet wurden, die über Porzellan, Metall, Glas und andere Medien aufgetragen wurde. In beiden Momenten übernahmen chinesische Künstler nicht einfach fremde Techniken; sie schufen aktiv neue Farben und Stile, die ihren eigenen Geschmack widerspiegelten. Die mehr als 100 ausgestellten Objekte stammen hauptsächlich aus der Sammlung des Met.

Ganesha: Herr der neuen Anfänge

Ganesha, der Sohn von Shiva und Parvati, ist eine brahmanische (hinduistische) Gottheit, die dafür bekannt ist, den Weg zu den Göttern zu ebnen und Hindernisse im Alltag zu beseitigen. Er wird von seinen Anhängern (Bhakti) für viele seiner Eigenschaften geliebt, darunter sein unstillbarer Appetit auf süße Kuchen sowie seine Rolle als Bringer von Magie, Überraschung und Lachen. Ganesha ist jedoch auch der Herr der Ganas (Naturgötter) und kann in dieser Gestalt ein furchterregendes Erscheinungsbild annehmen. Die Werke aus dem 7. bis 21. Jahrhundert in dieser Ausstellung zeigen seine Darstellungen auf dem indischen Subkontinent, im Himalaya und in Südostasien. Die Ausstellung umfasst 24 Werke, darunter Skulpturen, Gemälde, Musikinstrumente, rituelle Werkzeuge und Fotografie, und betont die Vitalität und Vitalität von Ganesha als Bringer neuer Anfänge.

Jahr der Schlange feiern

Die Ausstellung "Jahr der Schlange feiern" präsentiert eine bemerkenswerte Auswahl von Werken aus der Sammlung des Museums, die die bedeutende Rolle der Schlange in der chinesischen Kultur illustrieren. Dazu gehören ein 3.000 Jahre altes bronzezeitliches Ritualgefäß mit einem Ausguss, der aus den Köpfen verbundener Schlangen besteht, eine Töpferfigur aus dem 13. Jahrhundert, die eine schelmisch lächelnde Schlange darstellt, sowie eine exquisit bemalte Porzellanschale aus dem 18. Jahrhundert, die eine Szene aus der "Legende der weißen Schlange", einem beliebten Märchen über Liebe und Romantik zwischen Menschen und fantastischen Kreaturen, zeigt.

Farbensprühendes Korea: Die Sammlung Lea R. Sneider

Im Laufe von vierzig Jahren hat Lea R. Sneider (1925–2020) eine bedeutende Sammlung koreanischer Kunst zusammengestellt, die bestehende Normen in Frage stellte. Während sie die Literatenkunst zu schätzen wusste, fühlte sie sich besonders zu lebhaften und farbenfrohen Formen hingezogen, die mit dem Alltagsleben verbunden sind, was zu einer vielfältigen Sammlung führte, die die lebendige Materialkultur Koreas veranschaulicht. Diese Ausstellung präsentiert ein umfangreiches Geschenk und Leihgaben aus der Sammlung Lea R. Sneider, die großzügig von ihren Kindern zur Verfügung gestellt wurden. Durch rund 100 Objekte vom fünften Jahrhundert bis zur Gegenwart, darunter Malerei, Keramik, Möbel, Textilien sowie Bestattungs- und Ritualgegenstände, hebt die Ausstellung die weitreichende Symbolik des Glücks und den unprätentiösen Dynamismus in der koreanischen Kunst hervor. Sneider sagte, dass die Werke die Vitalität und Wärme der Menschen widerspiegeln, die mit ihnen umgingen, ein Gefühl, das ihre Sammlung mit ihrem Fokus auf kulturelle und alltägliche Relevanz unterstreicht.

Iba Ndiaye: Zwischen Breitengrad und Längengrad

Zwischen Breitengrad und Längengrad ist die Eröffnungsausstellung in der In-Focus-Galerie im Michael C. Rockefeller Wing, Teil der umfassenden Neugestaltung der Met-Sammlung afrikanischer Kunst. Anlässlich dieser Initiative wird ein künstlerisches Landmarkwerk des senegalesischen Modernisten Iba Ndiaye (1928–2008), Tabaski, das ein Geschenk an das Met ist, in die Sammlung aufgenommen. Seit der Eröffnung des Rockefeller Wings im Jahr 1982 hat sich ein Kanon der afrikanischen modernen Malerei herausgebildet, und Ndiaye ist eine durchweg grundlegende Figur von internationaler Bedeutung, dessen Beiträge jedoch außerhalb Senegals weitgehend unbekannt bleiben.

Eine römische Statue der Aphrodite im Met

Eine gefeierte Statue der Göttin der Liebe, Aphrodite, wird nun in den griechischen und römischen Galerien des Met als fünfjähriger Leihgaben bis 2028 präsentiert.

Diese Ausstellung präsentiert eine renommierte römische Statue der Aphrodite und untersucht Themen wie Schönheit und Göttlichkeit in der antiken Kunst.

Eine römische Statue der Aphrodite im Verleih an The Met

Eine gefeierte Statue der Liebesgöttin Aphrodite ist nun in den griechischen und römischen Galerien des Met ausgestellt, und zwar im Rahmen eines fünfjährigen Leihvertrags bis 2028. Die Statue wurde in den 1770er Jahren in der Nähe von Rom entdeckt und ist erstmals im April 1775 in einem Brief von Gavin Hamilton (1723–1798), dem britischen Maler und Antikenhändler, der in Rom lebte, dokumentiert. Weitere Korrespondenz zeigt, dass die Statue bis Dezember 1775 von Douglas Hamilton (1756–1799), dem 8. Herzog von Hamilton, erworben und 1776 nach Schottland transportiert wurde.

Die magische Stadt: George Morrisons New York

Diese Ausstellung untersucht, wie Morrisons ästhetische Inspiration und zukünftige Ausrichtung aus seiner Liebe zu New York, das er als „magische Stadt“ bezeichnete, schöpften. Die Ausstellung zeigt 25 seiner wichtigsten Gemälde und Zeichnungen aus dieser frühen Phase und endet mit seiner Horizon-Serie. Zudem werden seltene Archivmaterialien präsentiert, die Morrison im Herzen der abstrakten Expressionismusbewegung in New York der 1940er und 1950er Jahre verorten.

Die Genesis-Fassade-Kommission: Jeffrey Gibson

Für die Genesis-Fassade-Kommission 2025 wird Jeffrey Gibson (geb. 1972, Colorado Springs, Colorado), ein Mitglied des Mississippi Band of Choctaw Indians und Nachkomme der Cherokee, vier figurative Skulpturen schaffen – Werke, die er als Ahnengeistfiguren bezeichnet. Gibsons Projekt für die Fassade des Met’s Fifth Avenue wird die sechste in einer Reihe von Aufträgen für das historische Äußere sein. Die neuen Werke des Künstlers für die Nischen werden auf seiner langjährigen und hochentwickelten Ikonografie basieren, die eine dynamische visuelle Sprache vereint, die indigene Identität und Bildsprache mit Abstraktion, Mustern, Materialität und Text verbindet. Als interdisziplinärer Künstler, der in den Vereinigten Staaten, Deutschland und Korea aufgewachsen ist, reicht Gibsons umfangreiches Werk von hartkantigen abstrakten Arbeiten bis hin zu einer reichen Praxis in Performance und Filmkunst sowie bedeutender Tätigkeit als Künstler-Vermittler und Kurator. Seit den 2000er Jahren hat Gibsons Arbeit, die indigene Identität und Bildsprache integriert, konstant neue Möglichkeiten für Abstraktion, die Verwendung von Text und queere Kultur neu interpretiert und diese formalen und konzeptionellen Interessen verknüpft. Besonders bemerkenswert ist, dass Gibsons Arbeiten eine breite Palette von wiederkehrenden indigenen Quellen, materiellen Elementen und Bildern eingeführt haben, während sie regelmäßig eine Kritik an den reduktiven Wegen bieten, wie indigene Kultur historisch flachgedrückt und missbraucht wurde.

Das Zeugnis der Menschlichkeit: Die Kunst von John Wilson

Über sechs Jahrzehnten schuf der amerikanische Künstler John Wilson (1922–2015) kraftvolle und berührende Werke, die sein Leben als schwarzer amerikanischer Künstler und seinen fortwährenden Kampf um Rassengleichheit, soziale Gerechtigkeit und wirtschaftliche Gerechtigkeit widerspiegelten. Schon als Teenager wurde Wilson von der Abwesenheit positiver Darstellungen schwarzer Amerikaner und ihrer Erfahrungen in Museen und der Popkultur getroffen. In einem figurativen Stil arbeitend, strebte er danach, dieses Versäumnis zu korrigieren und Kunst in verschiedenen Medien und Techniken zu schaffen, die die Menschlichkeit und Erfahrungen schwarzer Amerikaner in den Mittelpunkt stellten. Wilsons Sujets waren vielfältig und reichten von Darstellungen von Rassenvorurteilen über wirtschaftliche Ungleichheit, Faschismus, die körperlichen Folgen von Arbeit, die Schriften von Richard Wright bis hin zu intimen Bildern von Familie, Freunden und Gemeinschaft, mit einem besonderen Fokus auf Vaterschaft. In sowohl fein ausgeführten Porträts als auch abstrahierteren Bildern anonymisierter Personen stellte Wilson die Emotionen, die Würde und das innere Leben seiner Motive dar. Trotz der Vielfalt und Bedeutung seiner Kunst und der fortwährenden Relevanz der Themen, die er bearbeitete, hat Wilsons Werk nicht die Anerkennung erhalten, die es verdient. Diese Ausstellung zeigt rund 100 Werke in verschiedenen Medien sowie zuvor nicht verfügbare Archivmaterialien, die die Menschlichkeit, den Umfang und die Kraft von Wilsons Kunst über die Dauer seiner Karriere hinweg präsentieren. Die Ausstellung beginnt mit Arbeiten, die er während seiner Zeit an der Kunstschule in Boston schuf, in denen er die Schrecken des nationalsozialistischen Deutschlands und die rassistische Gewalt in Amerika darstellte, sowie zarte Bilder seines Familienlebens. Sie zieht sich durch seine Zeit in Paris, Mexiko-Stadt und New York City und hebt sein Ziel hervor, eine demokratischere Kunst zu schaffen, und endet mit seinen Skulpturen und gefeierten Darstellungen von Dr. Martin Luther King Jr., wie dem Modell für die Skulptur am Kapitol der Vereinigten Staaten. Die Ausstellung wird Gemälde, Drucke, Zeichnungen und Skulpturen sowie Beispiele von Wilsons Arbeit als Illustrator für Kinderbücher umfassen. „Das Zeugnis der Menschlichkeit“ wird die größte Ausstellung von Wilsons Arbeiten und die erste Einzelausstellung des Künstlers in einem New Yorker Museum sein.